L’opera vuole mostrare come gli esseri viventi non-umani vivono senza preoccuparsi di dover legittimare il loro posto sulla terra; non sempre pacificamente, ma eventuali scontri sono dovuti a bisogni primari, non a motivi ideologici.

La scelta dei simboli sulle bandiere non è casuale: sono stati selezionati sette REietti, sette emarginati, sette creature non necessarie secondo standard umani, costretti a rivendicare il loro diritto di esistere nonostante il loro ruolo nel cerchio naturale sia indiscutibile, quanto quello degli animali e delle piante che preferiamo e selezioniamo, avvantaggiandoli nella lotta per la prosecuzione della specie.

Il titolo dell’opera nasce dal concetto di Pax Romana, una pace forzata derivante dalla dominazione e il sopruso, e si riferisce al paradosso, tutto umano, di voler tracciare non solo i confini tra i popoli, ma anche il diritto o meno all’esistenza di tutti gli esseri viventi.

Il disegno di una bambina di tre anni, affascinata, ma allo stesso tempo terrorizzata dal pericolo di essere risucchiata dalla corrente, è il punto di partenza della riflessione sulla viscerale interdipendenza tra essere umano ed ecosistema.

L’uomo e il mare sono entità affini; ambedue dominati da un’enorme ventaglio di umori, dalla serenità alla furia. Il rumore ritmico del mare è come il battito del cuore; il nostro sangue è salato, liquido e ferroso come l’acqua marina. Il mare può essere un salvifico passaggio, un amico generoso da cui possiamo trarre cibo e salute, oppure, come nell’immaginario della bimba, un furioso elemento assassino che riunisce l’uomo alla natura da cui proviene e lo fonde con essa.

Il remo, sul quale si appoggia il disegno trafitto dai fili del ricamo, rappresenta il tentativo, tutto umano, di controllare il mare; il merletto e la corona la sua regalità e la conseguente soggezione reverenziale che si ha di esso.

Un pesce antropomorfo che nuota in acque torbide è diviso in tre sezioni, sulle quali sono incollati ritagli di pagine di un vecchio vocabolario, a simboleggiare l’identità e la cultura di tutti noi; sulle figure sono ricamati neologismi del gergo giovanile della rete.

Termini come cringe, trollare, o bro, sono appannaggio esclusivo della generazione Z e per lo più incomprensibili a chi supera i vent’anni, ma quotidianamente usati nel privato e sulla rete dai giovanissimi. Come i ritmi della rete sono frenetici, anche le nuove parole diventano contrazioni di frasi per adeguarsi alla fretta di comunicare stati d’animo. Insieme alla musica, agli anime e ai meme, questo modo di interagire contribuisce a creare una sottocultura inaccessibile alle generazioni precedenti.

Se questo da un lato rappresenta un’evoluzione del linguaggio, dall’altro comporta il rischio della perdita della ricchezza della nostra cultura linguistica, anche dialettale, e della conseguente alienazione dalla realtà.

La paura di ciò che è più grande e arcaico ha portato l’uomo a tentare di dominare gli elementi. Questa lotta insensata lo ha reso diffidente nei confronti della natura, dimenticandosi di esserne parte. Quest’opera illustra come gli eventi naturali, pur nella loro straordinaria forza o pericolosità, vengano oggi strumentalizzati e distorti.

Il vortice metallico sul primo strato dell’opera rappresenta il turbinio di informazioni da cui siamo quotidianamente bombardati, che rende impossibile distinguere le informazioni reali da quelle costruite; negli strati successivi lo stesso evento è raccontato attraverso diversi punti di vista, modificato e distorto come in uno specchio deformante. L’ultimo strato è una rete metallica, che con la scusa di difenderci ci impedisce di ricongiungerci alla realtà dei fatti.

Il seno, una sineddoche del corpo della donna che si fa concetto dell’archetipo femminile, è racchiuso e costretto in una gabbia metallica, che non ha il compito di proteggerlo ma serve anzi a esibirlo e a metterlo in mostra, simile ai corpetti che la moda imponeva come canone di bellezza.

La gabbia è variopinta come quella di un uccello esotico, ricca di fronzoli e merletti che mettono in risalto la femmina come l’uomo desidera che si mostri per il suo piacere. La donna, vestita come una bambola, è spogliata del potere della creazione per essere relegata a ornamento e trastullo.

Sul coperchio della gabbia incombe un sorta di corona che racchiude una pallottola in piombo di un fucile ad avancarica, incastonata con filo d’argento, quasi fosse un occhio lussurioso che sfiora il capezzolo come una spada di Damocle.

Il grembiule da cameriera, tradizionalmente legato alla sfera del lavoro e della sottomissione, diventa il palcoscenico di una lotta intima e silenziosa contro la manipolazione di un uomo che, forzando la donna a una gravidanza non voluta, le sottrae la possibilità di scegliere.

Ognuno dei nodi è un gelido dubbio, ma anche un grido silenzioso contro la violenza psicologica, una resistenza alla forzatura della volontà. Il barattolo di vetro che contiene il ricamo crea una potente tensione tra l’idea di contenimento e quella di visibilità; il dolore è intrappolato in uno spazio che, pur essendo visibile, rimane fuori dalla portata della comprensione empatica. Il barattolo diventa una metafora della società che osserva la sofferenza delle donne senza agire, come se fosse un oggetto decorativo da mettere in mostra, ma incapace di intervenire realmente.

Il risultato è un’opera che sfida l’osservatore a confrontarsi con il tema del controllo e della libertà perduta, non solo come qualcosa che accade in una relazione tra un uomo e una donna, ma come una costante presente in un contesto relazionale dove sia l’uomo che la donna cercano di piegare l’altro alla propria volontà attraverso la nascita di un innocente.

La custodia del ricamo è un vaso di cristallo e argento, che come quello di Pandora contiene l’imperscrutabile: l’etichetta in metallo che pende sul davanti è vuota, a suggerire che non si può conoscere il contenuto.

Sollevando il coperchio si palesa un occhio scrutatore, circondato da raggi di luce. All’interno del vaso ruota in un’orbita infinita una sfera di vetro lattiginoso, il bulbo dell’occhio che tutto vede.

Il centrino concepito quadrato è adesso un rombo, mutato da figura stabile, equilibrata e solida, in qualcosa di flessibile e adattabile, vitale, in movimento, come un’entità superiore che si rispetti deve essere.

Il soggetto del ricamo è un iris, fiore che rappresenta la fiducia assoluta, la saggezza e la speranza, su cui è posato un insetto volante, che una volta è stato un bruco che si è forse nutrito della stessa pianta.

Bruchi e insetti sono considerati parassiti, ladri di cibo, attentatori alla nostra sopravvivenza, nemici da debellare ad ogni costo, anche avvelenando le risorse da cui dipendiamo entrambi. Se riuscissimo a metabolizzare il fatto di essere parte integrante del nostro comune ciclo vitale, capiremmo che dipendiamo dalla collaborazione con queste creature.

Il ricamo, come la scatola che rafforza e amplifica il concetto di ecosistema unico, auspica la pace tra le creature della terra, e ritrae un momento sereno, di accettazione e di immersione nella natura, che ricorda che l’unico modo per prolungare la tregua è capire che tutti gli esseri viventi sono connessi tra loro.

Come nel racconto, anche l’opera è strutturata su due piani paralleli e contrapposti. Sia i ricami che la custodia sono speculari ed equivalenti; nessuna delle due convinzioni prevale sull’altra ma esse si compenetrano, come nel concetto cinese di yin e yang, fondendosi e dando vita a un ciclo continuo in cui coesistono.

In un conflitto non è possibile giudicare se sia più eticamente giusta la decisione di ribellarsi o quella di subire perché la realtà non è duale ma è un flusso continuo, le energie che la compongono sono in costante trasformazione l’una nell’altra ed è sbagliato vedere l’esistenza divisa in principi fondamentali radicalmente distinti e separati tra loro.

La madre è una figura archetipica che porta con sé molte contraddizioni: è nutrimento, radici, memoria, appartenenza, e al tempo stesso qualcosa da cui allontanarsi per trovare la propria identità.

È il primo rapporto intimo che conosciamo e forse il più intenso; solo attraverso un percorso di separazione che dura tutta la vita è possibile vedere la persona che ci ha generato per quello che veramente è.

Ricostruire la figura materna da adulti non è diverso dal cercare di afferrare memorie sfuggenti come pesci, da conservare e catalogare dentro provette.

I 21 pesci dei ricami rappresentano le molteplici sfaccettature della sua personalità: un innato istinto di sopravvivenza, il bisogno di sfuggire a ogni costrizione e al tempo stesso di uniformarsi al branco, un’ostinazione quasi autistica da indossare come un’armatura per proteggere la sua estrema fragilità.

La scatola è composta da elementi solo apparentemente casuali o in contrasto tra loro: oggetti acuminati da cui guardarsi, materiali fragili da maneggiare con cura, resti animali come ingredienti rituali per esorcizzarne il mistero, oggetti di uso quotidiano come amuleti per carpirne l’essenza.

La filastrocca da cui prende origine il titolo, sentita pronunciare dalla madre dell’artista innumerevoli volte fin dall’infanzia, racchiude tutta la forza del pensiero magico di una donna che ha dovuto aggrapparsi alla volontà per andare avanti nella vita crescendo da sola tre figli, senza però riuscire a realizzare ciò che desiderava.

”Chi nascerà pesciano / ha la fortuna in mano / con molta forza e ardire / conquista posti e lire / riflette ed intuisce / ma guai se l’atterrisce / l’accumulo dei beni / sorvegli sangue e reni”.

Prendendo spunto dallo scritto, l’opera immagina la mente come un grande palazzo le cui stanze traboccano di ricordi che evocano emozioni, episodi, traumi e speranze. Ognuno di noi è il custode del magazzino di un accumulatore seriale che non riesce a liberarsi di ogni tipo di cianfrusaglie scaturite dalla somma degli istanti di una vita.

Come decidere quali ricordi siano più importanti? Per ognuno di noi un incarto di caramella, una chiave, un soldatino rotto diventano autentici tesori, perché sono porte che aprono mondi. Con questa logica misteriosa la candida semplicità della stoffa è accostata, in evidente contrasto, all’insieme barocco dell’involucro di carta ricco di colori, disegni e cassetti da cui estrarre oggetti che rappresentano la mente del protagonista, al tempo stesso sconnessa e puntigliosa nel tentativo di controllare l’incontrollabile.

Questa spinta a dominare tutto assume un aspetto ridicolo: il sovrano moderno indossa l’abito dell’onnipotenza, ma sotto si nasconde il bambino che vuole che tutto funzioni esattamente come ha deciso, rifiutandosi di accettare il salvifico caos che governa il mondo naturale, e opponendosi ad esso in una lotta infantile contro l’imprevedibile, una continua negazione del disordine naturale che sfugge al controllo, spesso con esiti distruttivi e autodistruttivi.

La libertà individuale si dissolve sotto il peso di un controllo che sembra invisibile, ma è onnipresente, insidioso, un sistema che non lascia spazio alla nostra biologia. La ricerca spasmodica di un potere assoluto diventa una gabbia dorata, un atto di supremazia che non è altro che una prigione mentale, un regime soffocante per chi ne è vittima.

Il vero potere risiede nel riconoscere l’imperfezione come elemento costitutivo della vita stessa e concentrarsi sulle soluzioni per immergersi e adattarsi al flusso delle cose, con fiducia e serenità.

Come la poesia, il ricamo e la scatola descrivono la volontà di intraprendere una rinascita, scaturita dalla conquista di una consapevolezza recentemente acquisita che obbliga a rifiorire, dopo un sofferto periodo di letargo, per ricoprirsi di luce e colori. È un inno alla primavera, a una pasqua pagana, all’esaltazione della ciclicità della vita, che dopo ogni fase di chiusura esplode con un innato carico di potenzialità ancora vergini.

Il fiore del ricamo esplode come un fuoco d’artificio, fino al brulicare di vita che rende omaggio alla figura alata che sovrasta il coperchio della scatola, annunciando con il suo sonaglio l’arrivo di una resurrezione, mentre sul fondo insetti laboriosi rimuovono i resti del passato.

Ogni elemento ribadisce questo concetto: lo sparato particolarmente elaborato di una camicia; i fili che si diramano dalla scritta verso l’esterno come collegamenti sinaptici che uniscono pensieri e associazioni di idee; la ripetitività modulare dei ceci sul fondo della scatola; il suono tintinnante delle provette che scandiscono il tempo; persino il ricamo della passiflora, un intricato labirinto di petali e stami, dal profumo penetrante che lascia quasi frastornati.

La frase, ricamata su una spessa fettuccia ricavata dal bordo di un lenzuolino vintage di cotone, è pronunciata dalla voce narrante, colpita dalla consapevolezza che ogni sua parola della conversazione con il protagonista resterà impressa per sempre nella sua memoria, come scolpita nella roccia.

Anche l’atto del ricamare trasforma le parole in qualcosa di immanente, quasi eterno, e la presenza di bottoni di madreperla di foggia e dimensioni diverse, cuciti in fila per tutta la lunghezza della fettuccia, ribadisce con cadenza maniacale la permanenza e l’unicità delle lettere nel tempo, come una preghiera laica a monito di selezionare attentamente le parole da usare e a pesarne il significato.

La zuppiera di porcellana nella quale il ricamo è racchiuso rappresenta un utero antico, fragile e forte allo stesso tempo, che parla di desinare familiare, ed è provvista di un ombelico metallico attraverso il quale passa un ramo di rosa, come un cordone ombelicale che protegge il feto e lo collega con il mondo esterno.

Vuole rappresentare la parte migliore del mondo in cui viviamo, la memoria, la cura per il prossimo, i sentimenti più puri dell’essere umano. Viviamo un momento storico cruciale, nel quale stiamo rischiando di perdere i valori di base come il concetto di famiglia, di coraggio, di altruismo, di protezione della specie a causa dei continui attacchi alla nostra stessa sopravvivenza in nome del potere, del denaro, della supremazia di pochi su molti.

Il futuro, come il feto nell’utero, è puro, privo di qualsiasi accezione negativa, e sta a noi salvaguardarlo perché possa mantenersi tale.

I fili che si intrecciano attorno alla sua figura si infittiscono per proteggerlo in un ambiente uterino placido e ovattato e rappresentano la memoria collettiva da consegnare alle generazioni future. La scelta dei colori nelle tonalità del rosso, del rosa e degli arancioni suggerisce la luce che filtra attraverso le pareti del grembo materno e lo scambio con il mondo esterno.

Il ricamo è di grandi dimensioni per dare la sensazione di essere di fronte a una scena reale di cui siamo testimoni.

A differenza di Sottocosta, che ritrae uno scorcio calmo e ozioso, come quello di una barca a vela ormeggiata a breve distanza dalla terra, e di Naufragare, che suggerisce l’affidarsi alle forze della natura, la raccolta spontanea delle risorse in una situazione imprevista, quest’opera ricostruisce l’esperienza sensoriale della traversata su un vecchio traghetto, e in particolare le suggestioni della sala macchine, che in gergo viene chiamata il fosso.

La mappa del ricamo diventa strumento per raggiungere obiettivi prefissati, per tracciare con precisione la rotta stabilita; la scatola e gli oggetti evocano la spinta dei motori, il tanfo della nafta e del lubrificante, i rumori delle macchine, la salsedine che corrode il metallo.

È ancora viaggio come meditazione; in questo caso non è più vagare, ma collaborazione tra uomo e mare per raggiungere una destinazione. L’abbandono del  controllo mentale è raggiunto attraverso il lavoro manuale che permette di entrare in uno stato di presenza nel momento presente. Il coinvolgimento fisico e l’attenzione concentrata sull’azione ci riconnettono con le nostre radici restituendoci chiarezza mentale e un senso di continuità e di appartenenza a una tradizione umana più ampia.

Il naufragio non è qui inteso come esperienza violenta e drammatica, ma come svolta imprevista che si trasforma in un rifugio rassicurante dove trovare asilo dalle avversità della vita.

La tempesta, che sembrava forza distruttiva, diventa invece un’alleata, che aiuta a scoprire la bellezza di essere vivi. Il mare è una madre che sostiene e accoglie, cullando con il suo respiro ondoso il naufrago adagiato su un’imbarcazione di fortuna.

Alla deriva su una zattera, circondati da oggetti recuperati dal mare che diventano preziosi amuleti, la navigazione solitaria si trasforma in un’esperienza di bellezza e scoperta di sé, nella quale l’uomo trova riparo e salvezza nella forza della natura.

La mappa del ricamo non è la rotta da ritrovare per tornare alla vita precedente, ma il resoconto delle esperienze accumulate e delle scoperte annotate nel corso del nuovo viaggio intrapreso.

Gli arcipelaghi sono mondi paralleli, tutti e tre incentrati sul tema del mare, paesaggi della fantasia nei quali perdersi per ritrovare la propria rotta.

Questo arcipelago già a partire dal nome evoca il lasciarsi trasportare dalla corrente su una vecchia barca; qui tutto è tranquillità, scorrere sereno, e lento srotolarsi del tempo. Le conchiglie, i sassi, i semi, anche i legni raccolti sulla spiaggia, ci raccontano di una piacevole pausa dalla realtà, dove le preoccupazioni, lo stress, i ritmi frenetici della vita moderna possono essere messi in pausa e rimandati a un non meglio precisato domani.

Nel ciclo di trasformazione della natura nascita e morte sono intimamente legate: la fine dell’albero determina l’inizio di nuove vite e la sua sostanza si trasforma per generare altra materia. Un cerchio perenne, in cui nulla si crea e nulla si perde, ma tutto diventa qualcosa di nuovo.

La scatola di metallo ricoperta di muschio e corteccia ricorda nell’aspetto e negli odori un albero secco, ed evoca vagamente lo scheletro di un uccello, come un messaggero che annuncia la decomposizione, il decadimento, e la degradazione della materia che torna terra.

Il titolo cita un’invocazione pronunciata dal personaggio di Macbeth, che perde tutto cercando di forzare la sorte; solo quando abbandona finalmente il controllo, accettandone le conseguenze, scopre la vera essenza della vita.

La violenza dell’opera dell’ago sul tessuto impalpabile, tirato e corrugato dai fili, la lacerazione dei suoi bordi strappati, rappresentano la furia degli elementi, a cui i fiori del ricamo non si sottraggono, anche a costo della propria incolumità. Anche la scatola trafitta dai rami, come attraversata dalla vita stessa, e i semi piumati portati dal vento, simboleggiano l’abbandonarsi al corso degli eventi confidando nel naturale scorrere delle cose.

La corona, simbolo di regalità, diventa la consacrazione di chi ha il coraggio di vivere la vita con la leggerezza del gioco.

Il titolo dell’opera è tratto dal film Fight Club, nel quale il protagonista si identifica in un pinguino che scivola via dai problemi lungo una distesa di ghiaccio a evidenziare “la capacità di lasciare che ciò che non ha importanza scivoli”.

L’acqua, pur lasciandosi attraversare docilmente e acquisendo la forma di ciò che la contiene, è però inesorabile nel suo fluire libera, aggirando e attraversando ogni ostacolo, ed è in grado di cambiare la forma anche della pietra o dell’alveo in cui scorre.

La presenza di tanti oggetti di vetro che interagiscono tra loro simboleggia la trasparenza, la ricerca della verità, dell’autenticità e della chiarezza, ma anche la fragilità e la vulnerabilità di fronte alle avversità e alle sfide della vita, la capacità di assumere qualsiasi forma senza rinunciare alla sua essenza, la caratteristica di lasciar passare la luce e rifletterla o anche aumentarla.

Le carpe Koi, pesci resistenti e adattabili, simboli di saggezza e fortuna nella cultura giapponese, rappresentano la perseveranza di fronte alle difficoltà. Con la loro capacità di scivolare e guizzare dentro le correnti sono l’incarnazione dell’abilità di compiere grandi imprese senza timori.