La paura di ciò che è più grande e arcaico ha portato progressivamente l’uomo a sforzarsi di controllare gli elementi nel tentativo di dominarli. Questa lotta insensata lo ha reso sempre più diffidente nei confronti della natura, vista come una matrigna, invece di sentirsi parte di essa.

L’opera illustra come gli eventi naturali, pur nella loro straordinaria forza o pericolosità, vengano oggi strumentalizzati fino a distorcerne il significato originale.

Le pagine sovrapposte dell’opera, ognuna volta a simboleggiare una diversa narrazione della realtà, mostrano come la stratificazione di messaggi costruiti appositamente possano instillare catastrofismo, e spingere l’umanità a ripararsi e chiudersi dimenticando preziose conoscenze tramandate di generazione in generazione.

Il vortice metallico sul primo strato dell’opera rappresenta il turbinio di informazioni da cui siamo quotidianamente bombardati, che rende impossibile distinguere le informazioni reali da quelle costruite; nei vari strati lo stesso evento è raccontato attraverso diversi punti di vista risultando modificato e distorto come in uno specchio deformante.

Non a caso l’ultimo strato è una rete metallica, che ci impedisce di ricongiungerci alla verità dei fatti.

Il seno, una sineddoche del corpo della donna che si fa concetto dell’archetipo femminile, è racchiuso e costretto in una gabbia metallica, che non ha il compito di proteggerlo ma serve anzi a esibirlo e a metterlo in mostra, simile ai corpetti che la moda imponeva come canone di bellezza.

La gabbia è variopinta come quella di un uccello esotico, ricca di fronzoli e merletti che mettono in risalto la femmina come l’uomo desidera che si mostri per il suo piacere. Il capezzolo è turgido, l’areola è evidente e le forme del seno sono abbondanti, per suggerire una fertilità non più al servizio della continuità della specie ma solo della vanità e del gioco sessuale.

La donna, vestita come una bambola, è spogliata del potere della creazione per essere relegata a ornamento e trastullo.

Il coperchio della gabbia, un sorta di corona che le incombe sopra come un ragno, sembra quasi deriderla nel ruolo che le viene imposto, mentre il gioiello centrale, realizzato con una pallottola sferica in piombo di un fucile ad avancarica, incastonata con filo d’argento, la fissa quasi fosse un occhio lussurioso che sfiora il capezzolo come una spada di Damocle.

La custodia del ricamo è un vaso prezioso di cristallo e argento, che come quello di Pandora contiene qualcosa di imperscrutabile: la stessa l’etichetta in metallo che pende sul davanti è vuota, a suggerire che non si può conoscere il contenuto.

Sollevando il coperchio ci si trova al cospetto di un occhio scrutatore, circondato da raggi di luce; il soggetto del ricamo. All’interno del vaso ruota in un’orbita infinita una sfera di vetro lattiginoso, il bulbo dell’occhio che tutto vede.

La posizione del ricamo trasforma il centrino quadrato in un rombo, mutandolo da figura stabile, equilibrata e solida in qualcosa di flessibile e adattabile, vitale, in movimento, come un’entità superiore che si rispetti dovrebbe essere.

Il soggetto del ricamo è un iris, fiore che rappresenta la fiducia assoluta, la saggezza e la speranza, su cui è posato un insetto volante, che una volta è stato un bruco che si è forse nutrito della stessa pianta.

Bruchi e insetti sono considerati parassiti, ladri di cibo, attentatori alla nostra sopravvivenza, nemici da debellare ad ogni costo, anche avvelenando le risorse da cui dipendiamo entrambi. Se riuscissimo a metabolizzare il fatto di essere parte integrante del nostro comune ciclo vitale, capiremmo che dipendiamo dalla collaborazione con queste creature.

Il ricamo, come la scatola che rafforza e amplifica il concetto di ecosistema unico, auspica la pace tra le creature della terra, e ritrae un momento sereno, di accettazione e di immersione nella natura, che ricorda che l’unico modo per prolungare la tregua è capire che tutti gli esseri viventi sono connessi tra loro.

Come nel racconto, anche l’opera è strutturata su due piani paralleli e contrapposti. Sia i ricami che la custodia sono speculari ed equivalenti; nessuna delle due convinzioni prevale sull’altra ma esse si compenetrano, come nel concetto cinese di yin e yang, fondendosi e dando vita a un ciclo continuo in cui coesistono.

In un conflitto non è possibile giudicare se sia più eticamente giusta la decisione di ribellarsi o quella di subire perché la realtà non è duale ma è un flusso continuo, le energie che la compongono sono in costante trasformazione l’una nell’altra ed è sbagliato vedere l’esistenza divisa in principi fondamentali radicalmente distinti e separati tra loro.

La madre è una figura archetipica che porta con sé molte contraddizioni: è nutrimento, radici, memoria, appartenenza, e al tempo stesso qualcosa da cui allontanarsi per trovare la propria identità.

È il primo rapporto intimo che conosciamo e forse il più intenso; solo attraverso un percorso di separazione che dura tutta la vita è possibile vedere la persona che ci ha generato per quello che veramente è.

Ricostruire la figura materna da adulti non è diverso dal cercare di afferrare memorie sfuggenti come pesci, da conservare e catalogare dentro provette.

I 21 pesci dei ricami rappresentano le molteplici sfaccettature della sua personalità: un innato istinto di sopravvivenza, il bisogno di sfuggire a ogni costrizione e al tempo stesso di uniformarsi al branco, un’ostinazione quasi autistica da indossare come un’armatura per proteggere la sua estrema fragilità.

La scatola è composta da elementi solo apparentemente casuali o in contrasto tra loro: oggetti acuminati da cui guardarsi, materiali fragili da maneggiare con cura, resti animali come ingredienti rituali per esorcizzarne il mistero, oggetti di uso quotidiano come amuleti per carpirne l’essenza.

La filastrocca da cui prende origine il titolo, sentita pronunciare dalla madre dell’artista innumerevoli volte fin dall’infanzia, racchiude tutta la forza del pensiero magico di una donna che ha dovuto aggrapparsi alla volontà per andare avanti nella vita crescendo da sola tre figli, senza però riuscire a realizzare ciò che desiderava.

”Chi nascerà pesciano / ha la fortuna in mano / con molta forza e ardire / conquista posti e lire / riflette ed intuisce / ma guai se l’atterrisce / l’accumulo dei beni / sorvegli sangue e reni”.

In particolare il ricamo e il suo involucro si focalizzano sulla memoria e le sue innumerevoli sfaccettature. Prendendo spunto dallo scritto, l’opera immagina la mente come un grande palazzo le cui stanze traboccano di ricordi che evocano emozioni, episodi, traumi e speranze.

In questo senso ognuno di noi è il custode del magazzino di un accumulatore seriale che non riesce a liberarsi di ogni tipo di cianfrusaglie scaturite dalla somma degli istanti di una vita, apparentemente senza un senso logico.

Come decidere quali ricordi siano più importanti? Quali tenere e quali scartare? Per ognuno di noi un incarto di caramella, una chiave, un soldatino rotto diventano autentici tesori, perché sono porte che aprono mondi.

Con questa logica misteriosa la candida semplicità della stoffa viene accostata, in evidente contrasto, all’insieme barocco dell’involucro di carta ricco di colori, disegni e cassetti da cui estrarre oggetti che sembrano raccolti da un bambino dopo una mareggiata, a rappresentare la mente del protagonista, al tempo stesso sconnessa e puntigliosa nel tentativo di controllare l’incontrollabile.

Come la poesia, il ricamo e la scatola descrivono la volontà di intraprendere una rinascita, scaturita dalla conquista di una consapevolezza recentemente acquisita che obbliga a rifiorire, dopo un sofferto periodo di letargo, per ricoprirsi di luce e colori.

È un inno alla primavera, a una pasqua pagana, all’esaltazione della ciclicità della vita, che dopo ogni fase di chiusura esplode con un innato carico di potenzialità ancora vergini.

Tutto qui è germoglio, bocciolo, opulenza, a partire dal fiore del ricamo che esplode come un fuoco d’artificio, fino al brulicare di vita che sembra rendere omaggio alla figura alata, che sovrasta il coperchio della scatola come un totem, annunciando con il suo sonaglio l’arrivo di una resurrezione, mentre sul fondo insetti laboriosi rimuovono i resti del passato.

Ogni elemento contribuisce a ribadire questo concetto: la scelta di uno sparato di camicia particolarmente elaborato come base; i fili che si diramano dalla scritta verso l’esterno come tentacoli, quasi fossero collegamenti sinaptici che uniscono pensieri e associazioni di idee; la ripetitività modulare dei ceci sul fondo della scatola, uguali tra loro ma non identici; il suono tintinnante delle provette che scandiscono il tempo; persino il ricamo della passiflora, un intricato labirinto di petali e stami, dal profumo penetrante che lascia quasi frastornati.

La frase, ricamata su una spessa fettuccia ricavata dal bordo di un lenzuolino vintage di cotone, è tratta dal passaggio del brano in cui la voce narrante è colpita dalla consapevolezza che ogni sua parola della conversazione con il protagonista resterà impressa per sempre nella sua memoria come scolpita nella roccia.

Anche l’atto del ricamare trasforma le parole in qualcosa di immanente, quasi eterno, e la presenza di bottoni di madreperla di foggia e dimensioni diverse, cuciti in fila per tutta la lunghezza della fettuccia, ribadisce con cadenza maniacale la permanenza e l’unicità delle lettere nel tempo.

Quest’opera rappresenta anche un primo esperimento di realizzare un ricamo che potesse essere indossato intorno al polso o avvolto intorno a un supporto, come una preghiera laica a monito di selezionare attentamente le parole da usare e a pesarne il significato.

A differenza di Sottocosta, che ritrae uno scorcio calmo e ozioso, come quello di una barca a vela ormeggiata a breve distanza dalla terra, e di Naufragare, che suggerisce l’affidarsi alle forze della natura, la raccolta spontanea delle risorse in una situazione imprevista, quest’opera ricostruisce l’esperienza sensoriale della traversata su un vecchio traghetto, e in particolare le suggestioni della sala macchine, che in gergo viene chiamata il fosso.

La mappa del ricamo diventa strumento per raggiungere obiettivi prefissati, per tracciare con precisione la rotta stabilita; la scatola e gli oggetti evocano la spinta dei motori, il tanfo della nafta e del lubrificante, i rumori delle macchine, la salsedine che corrode il metallo.

È ancora viaggio come meditazione; in questo caso non è più vagare, ma collaborazione tra uomo e mare per raggiungere una destinazione. L’abbandono del  controllo mentale è raggiunto attraverso il lavoro manuale che permette di entrare in uno stato di presenza nel momento presente. Il coinvolgimento fisico e l’attenzione concentrata sull’azione ci riconnettono con le nostre radici restituendoci chiarezza mentale e un senso di continuità e di appartenenza a una tradizione umana più ampia.

Il naufragio non è qui inteso come esperienza violenta e drammatica, ma come svolta imprevista che si trasforma in un rifugio rassicurante dove trovare asilo dalle avversità della vita.

La tempesta, che sembrava forza distruttiva, diventa invece un’alleata, che aiuta a scoprire la bellezza di essere vivi. Il mare è una madre che sostiene e accoglie, cullando con il suo respiro ondoso il naufrago adagiato su un’imbarcazione di fortuna.

Alla deriva su una zattera, circondati da oggetti recuperati dal mare che diventano preziosi amuleti, la navigazione solitaria si trasforma in un’esperienza di bellezza e scoperta di sé, nella quale l’uomo trova riparo e salvezza nella forza della natura.

La mappa del ricamo non è la rotta da ritrovare per tornare alla vita precedente, ma il resoconto delle esperienze accumulate e delle scoperte annotate nel corso del nuovo viaggio intrapreso.

Gli arcipelaghi sono mondi paralleli, tutti e tre incentrati sul tema del mare, paesaggi della fantasia nei quali perdersi per ritrovare la propria rotta.

Questo arcipelago già a partire dal nome evoca il lasciarsi trasportare dalla corrente su una vecchia barca; qui tutto è tranquillità, scorrere sereno, e lento srotolarsi del tempo. Le conchiglie, i sassi, i semi, anche i legni raccolti sulla spiaggia, ci raccontano di una piacevole pausa dalla realtà, dove le preoccupazioni, lo stress, i ritmi frenetici della vita moderna possono essere messi in pausa e rimandati a un non meglio precisato domani.

Nel ciclo di trasformazione della natura nascita e morte sono intimamente legate: la fine dell’albero determina l’inizio di nuove vite e la sua sostanza si trasforma per generare altra materia. Un cerchio perenne, in cui nulla si crea e nulla si perde, ma tutto diventa qualcosa di nuovo.

La scatola di metallo ricoperta di muschio e corteccia ricorda nell’aspetto e negli odori un albero secco, ed evoca vagamente lo scheletro di un uccello, come un messaggero che annuncia la decomposizione, il decadimento, e la degradazione della materia che torna terra.

Il titolo cita un’invocazione pronunciata dal personaggio di Macbeth, che perde tutto cercando di forzare la sorte; solo quando abbandona finalmente il controllo, accettandone le conseguenze, scopre la vera essenza della vita.

La violenza dell’opera dell’ago sul tessuto impalpabile, tirato e corrugato dai fili, la lacerazione dei suoi bordi strappati, rappresentano la furia degli elementi, a cui i fiori del ricamo non si sottraggono, anche a costo della propria incolumità. Anche la scatola trafitta dai rami, come attraversata dalla vita stessa, e i semi piumati portati dal vento, simboleggiano l’abbandonarsi al corso degli eventi confidando nel naturale scorrere delle cose.

La corona, simbolo di regalità, diventa la consacrazione di chi ha il coraggio di vivere la vita con la leggerezza del gioco.

Il titolo dell’opera è tratto dal film Fight Club, nel quale il protagonista si identifica in un pinguino che scivola via dai problemi lungo una distesa di ghiaccio a evidenziare “la capacità di lasciare che ciò che non ha importanza scivoli”.

L’acqua, pur lasciandosi attraversare docilmente e acquisendo la forma di ciò che la contiene, è però inesorabile nel suo fluire libera, aggirando e attraversando ogni ostacolo, ed è in grado di cambiare la forma anche della pietra o dell’alveo in cui scorre.

La presenza di tanti oggetti di vetro che interagiscono tra loro simboleggia la trasparenza, la ricerca della verità, dell’autenticità e della chiarezza, ma anche la fragilità e la vulnerabilità di fronte alle avversità e alle sfide della vita, la capacità di assumere qualsiasi forma senza rinunciare alla sua essenza, la caratteristica di lasciar passare la luce e rifletterla o anche aumentarla.

Le carpe Koi, pesci resistenti e adattabili, simboli di saggezza e fortuna nella cultura giapponese, rappresentano la perseveranza di fronte alle difficoltà. Con la loro capacità di scivolare e guizzare dentro le correnti sono l’incarnazione dell’abilità di compiere grandi imprese senza timori.